時間は相対的なものだ。映画ではなおさらだ。映画制作者である私たちは、時間を速くしたり、遅くしたり、凍らせたり、中断させたりするトリックの数々を開発してきた。必要であれば、過去や未来を垣間見ることさえできる。映画の時間というのは、それだけで膨大なトピックになる。しかしここでは、DPやビデオグラファーが日常的に遭遇する最も基本的な設定の1つであるフレームレートに絞って、あらためて見ていくことにしよう。24fpsのような慣例はどこから来ているのか、いつ無視できるのか、ストーリーテリングのツールとしてフレームレートをどう使うのか。エキサイティングな映画の例をいくつか紹介しながら、一緒に探ってみよう。
私たち映画制作者が映画の中で時間を変化させる理由は簡単だ。私たちの目的は、現実を1:1で描くことではなく、ドラマチックなストーリーを創り出すことだ。そのため、物語に貢献する瞬間だけを盛り込み、それ以外は省くのだ。しかし、編集がなくても、私たちはショットの中で時間を直接操作することがある。なぜかというと、単に「かっこよく見えるから」ではなく、「ストーリーを引き立てるから」という答えが返ってくることを期待したい。
従来のフレームレートのカメラ設定
映画撮影の第一歩を踏み出すと、すぐに基本的なカメラ設定を学ぶことになる。ISO、絞り、シャッタースピードと並んで、フレームレートもその一つだ。世界的に有名なDPであり教育者でもあるフィリップ・ブルームが、彼のMZedコース 「Filmmaking for Photographers 」で言及しているように、「映画的 」なルックを作るには一定のルールと制限が必要だ。例えば、映画のようなビデオは24fpsか25fpsで撮影・投影される。前者は映画用で、後者はNTSC圏以外のテレビ制作用だ。
もう1つのルールは、シャッタースピードはフレームレートの2倍でなければならないということだ。例えば、25fpsで撮影する場合、シャッタースピードは1/50に設定する。フィリップ・ブルームが説明するように、これによって最も自然な動きを撮影することができ、目にとって便利なモーションブラーを実現することができる。この決定には、撮影する国も関係する。世界的には、2つの電気出力がある： 50ヘルツ（しばしばPAL方式と呼ばれる）と60ヘルツ（NTSC方式）だ。例えば、あなたが50ヘルツの国、イギリスにいるとしよう。カメラを25fps、1/50シャッターに設定すれば、電力供給の周波数と完全に一致する。しかし、ルールを破ったり、ずれたりすると、すぐに家庭用照明のちらつきが発生する可能性がある：
様々な理由でフレームレートの設定で遊びたいのであれば、プロ用のフィルム器具を使うか、屋外の自然光で撮影するべきだ。どちらもちらつきの問題は起こらない。アメリカやオーストラリアでは、電気は60ヘルツだ。しかし、多くの場合、1/60のシャッターで30fpsで撮影する代わりに、1/48のシャッターで24fpsで撮影し、国内の照明が写り込まないようにすることを好む。なぜなら、24pはまだ映画的なルックのスイートスポットだからだ。
秒間24フレームはどこから来たのか？
映画学校ではマントラのように暗記する： 24fps（または23.976fps）を使うのだ。このフレームレートがより自然で 「現実に忠実 」に見えると確信している人さえいる。いや、この正確な数字の理由は歴史的なルーツにある。試行錯誤の結果、初期の映画制作者たちは、動きの錯覚は16fpsから始まることを発見した。この閾値を下回ると、脳は一貫したフィルムにつなげるのではなく、別々の静止画を認識する。サイレント映画はすべて、この発見（16～18fps程度）を使って撮影されたが、その後20～24fpsに近づけて映写された。チャーリー・チャップリンの作品を見ると、少しスピードアップしたように見えるのはそのためで、コメディ効果を高めている：
フレームレートが高ければ高いほど、イリュージョンが良くなることをクリエイターたちは当時から理解していたのだ。(実際、有名な発明家トーマス・エジソンは、私たちの知覚に最適なフレームレートは46fpsだと考えていた）。しかし、フィルムストックはかなり高価であったため、経済的な解決策は、必要な素材量と、許容できるリアルな動きを作り出すことができる1秒あたりのフレーム数との妥協点であった。つまり、古き良き24fpsが業界標準となったのだ。
1927年の『ジャズ・シンガー』以来、大半の映画は24fpsで制作されてきた。だからもちろん、私たちはこのルックに慣れてしまった。現実の「本物の」知覚とは何の関係もない（ほとんどのコンピューターゲームやVR体験がかなり高いフレームレートを採用しているのもそのためだ）。アナモフィックレンズの場合と同じように、この現実の様式化されたバージョンは映画にとって伝統的なものであるため、24fpsは観客にとって無意識のうちに「質の高い」映画の証となった。この慣例に反抗しようとする者もいた。ピーター・ジャクソンが2012年に初の『ホビット』映画を48fpsで公開したことは有名だが、観客の目には「しっくり」こなかったのだ。
スローモーションのためにハイフレームレート
ただそのためだけに数字を上げるのは賢明な判断ではないかもしれない。しかし、高いフレームレートがもたらしたのは、時間を操作する能力だ。映画撮影のツールとして広く知られているスローモーションのことだ。
元々この効果は、標準より速くゲートにフィルムを通し、それを 「通常の 」24fpsで投影することで生み出された（現在、デジタル映画撮影でも同じ原理を使用している）。映画のフレームレートが高ければ高いほど、動きは遅く見える。私たちは、爆発や銃撃戦など、激しいシーンが満載のアクションショットを最も頻繁に連想する。しかし最近では、より高いフレームレートが平凡なコマーシャルにも浸透し、会議中のビジネスマンが突然、カメラが彼らの周りを回りながらスローモーションで会話しているのを目にすることがある。撮影監督によっては、滑らかな動きで時折起こる手ブレやその他の問題をカバーできるため、便利に感じているようだ。
ランダムなシナリオでスローモーションを多用するのは、私にとっては怠慢な操作か悪趣味の表れだ。私見では、ちゃんとしたジンバルを手に入れるか、手持ちで撮影したほうがいい。
スローモーションは感情的な場面で使う
スローモーションはかなり強力な効果で、まるで時間が止まったかのように感じ、周囲のアクションのスピードが遅くなる。感情的な反応を放出し、ドラマチックな瞬間の強調として機能する。例えば、マーティン・スコセッシ監督の『レイジング・ブル』のこのシーン、特に02:05からの断片に注目してみよう：
ここではボクシングのリングの中で、アクションの激しさは非常に高く、映画製作者たちはシーン全体をスローモーションにすることもできただろう。しかし彼らは、ジェイク・ラ・モッタが衰弱する瞬間までこの効果を温存した。突然、現実がスローモーションになり、私たちは最後の一撃が与えられるまで、ジェイクの目を通して世界を見ることになる。客観的な視点から主観的な視点へと物語の視点を変えることで、キャラクターへの同情心さえ増すのだ。もし映画制作者がスローモーションを注意深く使わなかったら、うまくいっただろうか？私はそうは思わない。
サム・メンデス監督の『アメリカン・ビューティー』の有名なシークエンスがそうだ：
ここでは、時間の変化が超現実的で、夢のようにさえ感じられる。主人公が登場するのは、まさに夢であり、欲望であり、恋する気持ちなのだ。異なるフレームレートでそれを強調することで、視覚的なストーリーテリングにさらなるレイヤーが加わる。
時間の流れが異なる宇宙を創造する
時間を操作する可能性は、物理法則が通常の現実とは異なる映画的宇宙を構築することも可能にする。もちろん、私たちは皆、『マトリックス』の象徴的な弾丸のような時間の流れを知っている：
技術的には、クリエイターたちはスローモーションに異なるアプローチをした。120台のスチルカメラと2台のビデオカメラの映像を合成することで、ポストプロダクションでダイナミックなカメラの動きを自由に作り出すことができたのだ。彼らが製作したリグやVFXワークフローに興味があれば、この後のビデオで学ぶことができる：
スローモーションショットを物語そのものに組み込んだもうひとつの例は、クリストファー・ノーラン監督の『インセプション』だ。この壮大な映画で強調されている効果は、登場人物がナビゲートする夢のレイヤーによって、時間の流れ方が異なることだ：
Tここでの最も印象的な瞬間は、もちろん、橋から落ちる車だ。彼らはこのシークエンス（と他のスローモーション映像）をフォトソニックス4ERカメラで撮影し、頻繁に1000フレーム/秒以上で撮影した。面白い事実：このカメラは当初、1960年代から70年代にかけて、NASAの宇宙船の打ち上げを記録するような写真計測用途に使用されていた。
強度を高めるためにフレームレートを使い分ける
すでに述べたように、スローモーションはシーンの迫力を伝えるのに適している。多くのことが起こっている場合、スローモーションにすることで細かいディテールを見ることができる。『パイレーツ・オブ・カリビアン』のこのシーンがいい例だ：
同時に、変身のスピードを強調したい場合は、1つのショットの中でも異なるフレームレートを使うことができる。この効果は、フレームレート・ランピングまたはスピード・ランプ（より一般的な名称）と呼ばれる。クリップを1つのペースで再生し始め、アクションの途中でスローダウン（または加速）させる場合に発生する。
フレームレートに関して誰もが知っておく必要があるもう1つの一般的なツールはタイムラプスだが、これについては次回のシャッタースピードの記事で詳しく説明する。
時間圧縮のためのファストモーション
ファストモーションについて触れずにこの文章を終えるわけにはいかないだろう。その名が示すように、この効果はスローモーションの逆で、キャプチャーフレームレートが投影フレームレートより低い場合に起こる。「シネマティック・ストーリーテリング」という本にはこう書かれている：
ファストモーションは現実の皮を破るので、ファストモーションのシーンは即座に映画の他の部分から切り離される。その結果、ファストモーションは特に強調する必要がある瞬間にのみ使われる。ファストモーションはコメディでよく使われるが、ドラマでも効果的だ。
ファストモーションのテクニックを使った例として、『アメリ』のDIYシーンがある。このシーンでは、主人公が失恋を癒すために女主人の恋人からの手紙を偽造する。映画全体がマジックリアリズムを意識しているため、監督はこのような大げさな演出を常用している。ここでは、ファストモーションが時間の圧縮を実現している。結果までのプロセスを早送りするのだ：
スロモーションのように、ファストモーションは登場人物の変容した現実認識に私たちを没入させることができる。だからこそ、ダーレン・アロノフスキー監督の『レクイエム・フォー・ドリーム』では、有名な早回しのモンタージュと並んで、このツールが頻繁に登場するのだ。
この映画の登場人物たちは、常に中毒からの解放を求めている。やっとの思いでそれを手に入れたとき、彼らの知覚の中の時間はスピードアップし、あっという間に過ぎていく。そして、また新たな輪が始まる。
フレームレート：映画の鼓動
ルールや慣習を知ることは重要である。この知識を使って意図的にそれらを破ることが、映画製作の魔法が始まるところだ。私たちが24fpsにこだわってきたのは、その見慣れたルックスが理由かもしれない。だからといって、時間を変えたり、激しいドラマの瞬間を強調したり、観客の強い（肯定的か否定的かは関係ない）反応を得るために、異なるフレームレートを使えないわけではない。
特集画像：ウォシャウスキー監督『マトリックス』（1999年）、サム・メンデス監督『アメリカン・ビューティー』（1999年）、ゴア・ヴァービンスキー監督『パイレーツ・オブ・カリビアン』（2003年）のスチール写真。
Full disclosure: MZed is owned by CineD
追加情報源 「シネマティック・ストーリーテリング」ジェニファー・ヴァン・シール著 2005年
